El soneto 47 del Petrarca inspiró a Liszt a componer esta maravillosa obra, les comparto un link para que la escuchen interpretada por uno de los mejores pianistas de la historia, el Sr. Daniel Barenboim. Espero que les guste.
martes, 25 de mayo de 2010
SONETO 47 DEL PETRARCA - UN LUJO!!!
Benedetto sia ´l giorno, e ´l mese, e l´anno,
E la stagione, e ´l tempo, e l´ora, e ´l punto,
E ´l bel paese, e ´l loco, ov´io fu giunto
Da due begli occhi, che legato m´hanno,
E benedetto il primo dolce affanno,
Ch´i´ebbi ad esser con amor congiunto;
E l´arco e le saette ond´io fu punto;
E le piaghe, ch´infin al cor mi vanno.
Benedette le voci tante, ch´io,
Chiamando il nome di mia Donna, ho sparte;
E i sospiri, e le lagrime, e´l desio;
E benedette sien tutte le carte
Ov´io fama le acquisto; e ´l pensier mio
Ch ´e sol di lei, si, ch ´altra non v´ha parte.
Bendecidos el año, el mes, el día
y la estación y el sitio y el instante
y el hermoso país en que delante
de su mirar mi voluntad rendía.
Y bendecida la tenaz porfía
de amor entre mi pecho palpitante,
y el arco y la saeta y la sangrante
herida que en mi corazón se abría.
Bendecida la voz que repitiendo
va por doquier el nombre de mi amada,
suspiros, ansias, lágrimas vertiendo.
Y bendecido todo cuanto escribe
la mente que al loarla consagrada
en Ella y sólo para Ella vive.
lunes, 24 de mayo de 2010
IMPRESIONISMO
Viernes 28 DE MAYO A LAS 18 hs.
EL IMPRESIONISMO Y SU CONEXION CON LA PINTURA
Monet, Manet, Degas, y su conexión con la música de la época
EN OLIVOS
Para mas información sobre este evento puede contactarse a través de:
artzoneproducciones@gmail.com
sábado, 15 de mayo de 2010
EL SIGLO DE ORO ITALIANO Parte II
La particular división geográfica de la península
por Elizabeth Ryske
¿Cómo era la Italia de la época ? La Liguria y el Piamonte , junto con las tradicionales posesiones de la casa de Saboya -única dinastía nativa en ejercicio del poder - configuraban el reino de Cerdeña en el sector noroccidental de la península. Hacia el este, Lombardía y Venecia habían vuelto a formar parte del Imperio austríaco . Por el extremo sur de las tierras lombardas se extendía el ducado de Toscana con su capital en Florencia, y los pequeños ducados de Parma., Módena y Lucca rellenaban los huecos entre la Toscana y los estados septentrionales. El centro de la península estaba ocupado por los Estados pontificios como desde los tiempos del Sacro Imperio romano - germánico y al sur de ellos el vasto territorio del reino de Nápoles o de las Dos Sicilias gobernado desde 1735 por una rama de los Borbones.
Los respectivos gobiernos habían logrado armar entre sí unas alianzas políticas que estaban muy lejos de satisfacer al pueblo y surgen tres personajes fundamentales para la posterior unificación de Italia en lo que se llama históricamente el "Risorgimento" , y que es el período que se inicia precisamente en las sesiones del congreso de Viena en 1815 para culminar en 1870 con la unificación italiana luego de la retirada de las tropas francesas de la ciudad de Roma. Son ellos el abogado carbonario Giuseppe Mazzini (1805 - 1872), fundador en el exilio de la sociedad "Giovane Italia " y varias veces condenado a muerte por sus ideas; el Conde de Cavour , llamado Camilo Benso (1810-1861) , hábil político y varias veces ministro del reino de Cerdeña que en 1847 fundó el periódico liberal "Il Risorgimento", el cual le dio nombre a todo el proceso, y finalmente el más espectacular y carismático de todos ellos, Giuseppe Garibaldi (1808- 1882), con sus famosos cazadores alpinos y su empresa de los mil de Marsala (1860) .
La unificación italiana no fue un proceso rápido ni sencillo, la toma y posterior pérdida de Roma en 1849, la recuperación de Lombardía en 1859, la proclamación del reino de Italia en 1861 , la recuperación de Venecia en 1866 son hitos fundamentales hasta llegar a la definitiva unificación con la retirada de las tropas francesas ( Roma, 1870).
Y la ópera estaba allí, acompañando el devenir histórico con un desarrollo que va desde los inicios de la más pura escuela belcantista hasta los umbrales del verismo, pasando a ser la representación más emblemática del "Risorgimento" no sólo en Italia sino en el resto del mundo, pero sin caer nunca en la simpleza de la propaganda política, sin la violencia del panegírico ni el corto alcance del panfleto, asumiendo en profundidad los postulados del movimiento unificador sin rebajarse a la simplificación, preservando así su independencia y asegurando su grandeza y su perdurable posteridad .
Los invitamos a visitar nuevamente nuestro blog para enterarse de más novedades y para leer la continuación de esta nota . Los esperamos !!!!!
por Elizabeth Ryske
¿Cómo era la Italia de la época ? La Liguria y el Piamonte , junto con las tradicionales posesiones de la casa de Saboya -única dinastía nativa en ejercicio del poder - configuraban el reino de Cerdeña en el sector noroccidental de la península. Hacia el este, Lombardía y Venecia habían vuelto a formar parte del Imperio austríaco . Por el extremo sur de las tierras lombardas se extendía el ducado de Toscana con su capital en Florencia, y los pequeños ducados de Parma., Módena y Lucca rellenaban los huecos entre la Toscana y los estados septentrionales. El centro de la península estaba ocupado por los Estados pontificios como desde los tiempos del Sacro Imperio romano - germánico y al sur de ellos el vasto territorio del reino de Nápoles o de las Dos Sicilias gobernado desde 1735 por una rama de los Borbones.
Los respectivos gobiernos habían logrado armar entre sí unas alianzas políticas que estaban muy lejos de satisfacer al pueblo y surgen tres personajes fundamentales para la posterior unificación de Italia en lo que se llama históricamente el "Risorgimento" , y que es el período que se inicia precisamente en las sesiones del congreso de Viena en 1815 para culminar en 1870 con la unificación italiana luego de la retirada de las tropas francesas de la ciudad de Roma. Son ellos el abogado carbonario Giuseppe Mazzini (1805 - 1872), fundador en el exilio de la sociedad "Giovane Italia " y varias veces condenado a muerte por sus ideas; el Conde de Cavour , llamado Camilo Benso (1810-1861) , hábil político y varias veces ministro del reino de Cerdeña que en 1847 fundó el periódico liberal "Il Risorgimento", el cual le dio nombre a todo el proceso, y finalmente el más espectacular y carismático de todos ellos, Giuseppe Garibaldi (1808- 1882), con sus famosos cazadores alpinos y su empresa de los mil de Marsala (1860) .
La unificación italiana no fue un proceso rápido ni sencillo, la toma y posterior pérdida de Roma en 1849, la recuperación de Lombardía en 1859, la proclamación del reino de Italia en 1861 , la recuperación de Venecia en 1866 son hitos fundamentales hasta llegar a la definitiva unificación con la retirada de las tropas francesas ( Roma, 1870).
Y la ópera estaba allí, acompañando el devenir histórico con un desarrollo que va desde los inicios de la más pura escuela belcantista hasta los umbrales del verismo, pasando a ser la representación más emblemática del "Risorgimento" no sólo en Italia sino en el resto del mundo, pero sin caer nunca en la simpleza de la propaganda política, sin la violencia del panegírico ni el corto alcance del panfleto, asumiendo en profundidad los postulados del movimiento unificador sin rebajarse a la simplificación, preservando así su independencia y asegurando su grandeza y su perdurable posteridad .
Los invitamos a visitar nuevamente nuestro blog para enterarse de más novedades y para leer la continuación de esta nota . Los esperamos !!!!!
martes, 11 de mayo de 2010
EL SIGLO DE ORO ITALIANO Parte 1
Una mirada desde el contexto histórico
por Elizabeth Ryske
Cuando hablamos de la ópera italiana es imposible no dedicar una especial mirada a este período tan especial, tan rico en creadores y de una transformación histórica que podríamos calificar de vertiginosa.. En los años que median entre el nacimiento de Rossini (1792) y el de Verdi (1813) , transcurren hechos decisivos para la configuración de lo que será la futura Italia. Toda Europa se vio convulsionada a partir de la Revolución Francesa y con el posterior advenimiento del imperio napoleónico, pero en el territorio italiano en particular el campo de batalla entre las distintas monarquías en el cual éste se había fragmentado adquirió una fisonomía propia, ya que vieron sustituir el dominio austríaco por el de los advenedizos Bonaparte, y las tropas francesas que llegaron proclamando los ideales de libertad, igualdad y fraternidad arrasaron los palacios y se llevaron como botín de guerra las más preciadas obras de arte. Pensemos que Verdi tenía dos años para la época en que Napoleón fue recluído en Santa Helena luego de la desastrosa campaña a Rusia y sus vencedores se repartieron los territorios italianos en las sesiones del Congreso de Viena de 1815, y que es ésta una época donde el renacimiento intelectual y científico sienta las bases de lo que será la identidad italiana. Hacia 1820, cuando las sociedades secretas de los carbonarios producen las sublevaciones de Nápoles y Turín, Bellini es un joven de 19 años y Donizetti cuenta con 23, pero Rossini ya se acerca a los 30 y ha compuesto su célebre "Barbero de Sevilla" , haciendo de la escuela belcantista la respuesta específicamente italiana a la música del momento. Son los tiempos que conducen al "año Revolucionario" de 1848, Marx y Engels publican su "Manifiesto comunista" y el Romanticismo llega a su apogeo con la presencia de poetas como Giacomo Leopardi y Alejandro Manzoni.
En nuestro próximo encuentro veremos cómo era Italia en este período, nos despedimos hasta entonces
por Elizabeth Ryske
Cuando hablamos de la ópera italiana es imposible no dedicar una especial mirada a este período tan especial, tan rico en creadores y de una transformación histórica que podríamos calificar de vertiginosa.. En los años que median entre el nacimiento de Rossini (1792) y el de Verdi (1813) , transcurren hechos decisivos para la configuración de lo que será la futura Italia. Toda Europa se vio convulsionada a partir de la Revolución Francesa y con el posterior advenimiento del imperio napoleónico, pero en el territorio italiano en particular el campo de batalla entre las distintas monarquías en el cual éste se había fragmentado adquirió una fisonomía propia, ya que vieron sustituir el dominio austríaco por el de los advenedizos Bonaparte, y las tropas francesas que llegaron proclamando los ideales de libertad, igualdad y fraternidad arrasaron los palacios y se llevaron como botín de guerra las más preciadas obras de arte. Pensemos que Verdi tenía dos años para la época en que Napoleón fue recluído en Santa Helena luego de la desastrosa campaña a Rusia y sus vencedores se repartieron los territorios italianos en las sesiones del Congreso de Viena de 1815, y que es ésta una época donde el renacimiento intelectual y científico sienta las bases de lo que será la identidad italiana. Hacia 1820, cuando las sociedades secretas de los carbonarios producen las sublevaciones de Nápoles y Turín, Bellini es un joven de 19 años y Donizetti cuenta con 23, pero Rossini ya se acerca a los 30 y ha compuesto su célebre "Barbero de Sevilla" , haciendo de la escuela belcantista la respuesta específicamente italiana a la música del momento. Son los tiempos que conducen al "año Revolucionario" de 1848, Marx y Engels publican su "Manifiesto comunista" y el Romanticismo llega a su apogeo con la presencia de poetas como Giacomo Leopardi y Alejandro Manzoni.
En nuestro próximo encuentro veremos cómo era Italia en este período, nos despedimos hasta entonces
lunes, 10 de mayo de 2010
LAS PRIMERAS OBRAS DE VERDI - GRATIS EL 16 DE MAYO
El DOMINGO 16 DE MAYO los invitamos a asistir al ciclo de ópera que organiza la Asociación Cultural Toscana , en el Centro Cultural Marcó del Pont, Artigas 202, justo detrás del andén de la estación Flores. LA ENTRADA ES LIBRE Y GRATUITA pero se agradecerá si quieren contribuir con las actividades de la Asociación a través de una colaboración espontánea .
En esta oportunidad la Prof. Elizabeth Ryske nos hablará sobre las primeras obras de Giuseppe Verdi y la charla estará ilustrada con la proyección de fragmentos de dichas óperas en DVD, interpretados por cantantes de primer nivel internacional.
La cita es a las 17.30hs , y les rogamos llegar unos minutos antes para dar inicio a la actividad con puntualidad
sábado, 8 de mayo de 2010
ENCUENTROS MUSICALES
Las notas y comentarios publicados por la Prof. Elizabeth Ryske
forman parte de los encuentros que lleva a cabo en Olivos.
2º y 4º Viernes de cada mes 18 hs.
Para mas información sobre este evento puede contactarse con ella a través de:
artzoneproducciones@gmail.com
viernes, 7 de mayo de 2010
Gracias Yosmir
Sí, Gracias a la artista plástica venezolana Yosmir Coromoto Gil por hacernos llegar su aporte a nuestro blog. Eso si, lo vamos a subir por partes asi no se empachan.
Nuestro cariño y sincero agradecimiento
ArtZone Argentina
Nuestro cariño y sincero agradecimiento
ArtZone Argentina
ALGO DE TOLKIEN
And it is said by the Eldar that in water there lives yet the echo of the Music of the Ainur more than in any substance else that is in this Earth; and many of the Children of Ilúvatar hearken still unsated to the voices of the Sea, and yet know not for what they listen
The Silmarillion , J.R.R. Tolkien
jueves, 6 de mayo de 2010
EL NACIMIENTO DE LA OPERA Parte 3
por Elizabeth Ryske
Como vimos en nuestra entrega anterior, Claudio Monteverdi , después de enemistarse con el Duque, desde Mantua marchó a Venecia, donde el Senado le otorgó de inmediato el puesto de organista de San Marco, cargo que desempeñaría hasta su muerte en 1643. La ciudad le recibió con los brazos abiertos y él contribuyó a acrecentar el prestigio cultural de la misma, porque su presencia se convertirá en el punto de partida de la "escuela veneciana", uno de los dos polos de atracción de la vida operística de la península ( el otro obviamente será Nápoles) durante más de un siglo.
No nos olvidemos que es en la ciudad de los canales donde abre sus puertas el Teatro San Cassiano en 1637, que fue el primer teatro público dedicado a la ópera inaugurado en el mundo, y que en 1639 se abre el de los Santos Giovanni y Paolo, habiendo cuatro teatros funcionando regularmente hacia 1650, período en el cual se está realizando una importante transformación no sólo cultural sino también social : la del paso del público de la corte, el de los aristócratas y miembros de la nobleza convocados por rigurosa invitación, a este público anónimo que accede al espectáculo teatral mediante el novedoso sistema del pago de una entrada .
Esta "democratización" de la ópera requiere también un cambio en los argumentos que pasan de los temas mitológicos a los históricos, y que requieren nuevas puestas en escena, con abundante tramoya (llámase así a la maquinaria escénica) que permita efectos especiales cada vez más complejos, y con la oportunidad de lucimiento para los cantantes. Monteverdi enfrenta exitosamente el desafío y en sus dos últimas óperas , estrenadas ambas en el San Cassiano, encontramos una suma de inventiva que no tiene precedentes en el género . "Il ritorno d´Ulisse in patria" , en un prólogo y cinco actos con texto de Giacomo Badoano sobre los cantos XII y XXIV de la Odisea, fue estrenada en febrero de 1641 , obra singular y extravagante que mezcla por momentos el estilo lírico y el bufo, permaneció más de un siglo sin ser representada, hasta que fue reestrenada en Paris en 1925. "L´incoronazzione di Poppea" , considerada su obra maestra , es de un extraño "modernismo" musical , lleno de audacias armónicas , rítmicas y vocales por las cuales los críticos musicales la encuentran sorprendentemente cercana a Wagner y Berlioz ; fue estrenada en el otoño de 1642, constando de un prólogo y tres actos , o en dos partes divididas en siete cuadros, con libreto de Giovanni Francesco Busenello sobre los "Anales" de Tácito. Un momento crucial en la historia de la ópera , una encrucijada de la que surgirán dos caminos, dos tendencias , que con el correr del tiempo nos llevarán de Mozart a Verdi, de Gluck a Wagner ... Pero aquí nos detenemos hasta nuestro próximo encuentro, en el cual iremos presentando a los continuadores de esta historia.
miércoles, 5 de mayo de 2010
EL NACIMIENTO DE LA OPERA Parte 2
por Elizabeth Ryske
En verdad , "Euridice" no es una ópera propiamente dicha, pero sí es el melodrama más antiguo que la llegado a nosotros en forma completa, tanto su libreto como su partitura, la cual presenta una orquesta tal vez un poco pobre, reducida a un simple sostén, pero no debemos olvidar la costumbre de la época de dejar un amplio margen para la improvisación de los ejecutantes, por lo cual es muy probable que sonara con mayor riqueza de lo que podríamos pensar.
En verdad, estamos en lo que sería la "prehistoria operística" , y más aún podríamos remontarnos a un primer "Orfeo" de Poliziano y Germi que data del año 1474, en Mantua, y de una primitiva "Dafne" de G. della Viola compuesta en 1486 , antecedentes que desembocan en la actividad de la Camerata Bardi y en un comienzo de siglo donde se definen claramente dos tendencias : el stile rappresentativo y el recitar cantando. El primero de ellos es el que propone un lirismo a veces exuberante y que corresponde a la línea de Giulio Caccini (1545-1618), quien recopiló entre 1601 y 1604 sus Nuove Musiche, colección de madrigales de la que es posible conseguir una excelente grabación realizada por la soprano Maurizia Barazzoni acompañada en laúd por Sandro Volta , sumamente recomendable para escuchar este estilo que luego de pasar por la obra de Alessandro Scarlatti será el que desemboque más tarde en la escuela del bel canto. La segunda tendencia corresponde a los melodramas de Cavalieri y de Peri, estilo más puramente dramático que busca la unidad formal de texto, música y lenguaje hablado .
El duque Vincenzo Gonzaga , señor de Mantua, era un frecuente espectador de los espectáculos montados en el Palazzo Pitti , y al regreso de uno de sus viajes le propone a su maestro de capilla la creación de algo similar. Era éste un músico nacido en Cremona, en 1567, que antes de cumplir los 20 años ya había compuesto el primero de sus nueve libros de madrigales y que en 1590 entró al servicio del señor de Mantua, primero como cantor y violinista y a partir de 1602 como maestro de capilla, compartiendo con el duque numerosos viajes a Flandes y acompañándole incluso en una campaña contra los turcos. Su nombre era Claudio Monteverdi , considerado unánimemente como el padre de la ópera .
El resultado de este encargo fue "La favola d´Orfeo" , estrenada en la Accademia delle Invaghiti durante los carnavales de 1607 y que afortunadamente ha llegado completa hasta nuestros días, con sus cinco actos precedidos de un prólogo que abarcan una duración total de 2 horas , en la cual encontramos modificaciones tales como la intervención dramática de los coros, el uso de interludios instrumentales a modo de leit-motiv, y la novedad del aria da capo, recursos que hacen aparecer a los melodramas florentinos como meros ensayos ante esta verdadera ópera, que es sin duda la más antigua que hoy podría ser puesta en escena .
El éxito obtenido lo llevó a estrenar al año siguiente una "Arianna" , compuesta para la bellísima cantante Caterina Martinelli, quien fuera su segundo amor tras haber enviudado varios años atrás, pero desgraciadamente esta ópera se ha perdido y sólo nos ha llegado de ella el fragmento conocido como "Lamento d´Arianna", cuya celebridad hizo que fuera copiado por numerosos músicos de la época , los que incluso crearon otras obras sobre el mismo tema ( hay un disco del sello Naxos , muy interesante para los que amamos este especial período de la génesis de la ópera , que recopila precisamente diversas versiones del "Lamento" ). Monteverdi escribió en total 18 óperas, pero de ellas sólo nos han llegado seis, incluyendo "La favola d´Orfeo", tres de las cuales son de un solo acto y están incluídas en los libros VII y VIII de los Madrigales siendo las otras dos las últimas que escribiera. Desgraciadamente, la mayor parte de sus óperas se ha perdido, sobre todo durante el incendio y saqueo del palacio de Mantua en 1630. Nunca se supo la verdadera causa de su repentina enemistad con el duque después de tantos años de fecunda colaboración , pero a los 45 años, con una popularidad creciente aunque aún no consolidada , con la tristeza de la muerte de Caterina durante una epidemia de viruela, nada hacía posible imaginar que aún tenía treinta años por vivir y que serían los más esplendorosos de su carrera.
El duque Vincenzo Gonzaga , señor de Mantua, era un frecuente espectador de los espectáculos montados en el Palazzo Pitti , y al regreso de uno de sus viajes le propone a su maestro de capilla la creación de algo similar. Era éste un músico nacido en Cremona, en 1567, que antes de cumplir los 20 años ya había compuesto el primero de sus nueve libros de madrigales y que en 1590 entró al servicio del señor de Mantua, primero como cantor y violinista y a partir de 1602 como maestro de capilla, compartiendo con el duque numerosos viajes a Flandes y acompañándole incluso en una campaña contra los turcos. Su nombre era Claudio Monteverdi , considerado unánimemente como el padre de la ópera .
El resultado de este encargo fue "La favola d´Orfeo" , estrenada en la Accademia delle Invaghiti durante los carnavales de 1607 y que afortunadamente ha llegado completa hasta nuestros días, con sus cinco actos precedidos de un prólogo que abarcan una duración total de 2 horas , en la cual encontramos modificaciones tales como la intervención dramática de los coros, el uso de interludios instrumentales a modo de leit-motiv, y la novedad del aria da capo, recursos que hacen aparecer a los melodramas florentinos como meros ensayos ante esta verdadera ópera, que es sin duda la más antigua que hoy podría ser puesta en escena .
El éxito obtenido lo llevó a estrenar al año siguiente una "Arianna" , compuesta para la bellísima cantante Caterina Martinelli, quien fuera su segundo amor tras haber enviudado varios años atrás, pero desgraciadamente esta ópera se ha perdido y sólo nos ha llegado de ella el fragmento conocido como "Lamento d´Arianna", cuya celebridad hizo que fuera copiado por numerosos músicos de la época , los que incluso crearon otras obras sobre el mismo tema ( hay un disco del sello Naxos , muy interesante para los que amamos este especial período de la génesis de la ópera , que recopila precisamente diversas versiones del "Lamento" ). Monteverdi escribió en total 18 óperas, pero de ellas sólo nos han llegado seis, incluyendo "La favola d´Orfeo", tres de las cuales son de un solo acto y están incluídas en los libros VII y VIII de los Madrigales siendo las otras dos las últimas que escribiera. Desgraciadamente, la mayor parte de sus óperas se ha perdido, sobre todo durante el incendio y saqueo del palacio de Mantua en 1630. Nunca se supo la verdadera causa de su repentina enemistad con el duque después de tantos años de fecunda colaboración , pero a los 45 años, con una popularidad creciente aunque aún no consolidada , con la tristeza de la muerte de Caterina durante una epidemia de viruela, nada hacía posible imaginar que aún tenía treinta años por vivir y que serían los más esplendorosos de su carrera.
En nuestra próxima entrega veremos la etapa veneciana de Monteverdi y hablaremos de la creación de sus obras maestras, nos despedimos hasta entonces
EL NACIMIENTO DE LA OPERA Parte 1
Por Elizabeth Ryske
Como hemos visto anteriormente, los orígenes de la ópera se remontan a los tiempos del Renacimiento y mucho tiene que ver la fuerte influencia del poeta (y de a ratos músico ) Torcuato Tasso, quien vivió entre 1544 y 1595 ejerciendo una fuerte influencia y dejando una estela de admiradores e incluso imitadores entre sus contemporáneos de la diversas cortes y ciudades-estado italianas. Uno de los más conocidos grupos o tertulias , como solía llamárseles , fue el que reunió a partir de 1576 en su residencia florentina el conde de Vernio, patriarca de una de la más poderosas familias de la ciudad, matemático, helenista, filólogo, pero por sobre todo un neoplatónico fascinado por la música que vivió entre los años 1534 y 1612 convirtiéndose en el arquetipo del mecenas renacentista. Giovanni Bardi era su nombre, y junto al funcionario y musicólogo Emilio dei Cavalieri y su cultísima y refinada amante Laura de Guidiccione, a los cantantes Jacopo Peri y Giulio Caccini, y al polígrafo y declamador Vincenzo Galilei (padre de Galileo, el futuro astrónomo que en para esta época es un niño de 12 años ) formaron lo que ha pasado a la historia como la Camerata Bardi o Camerata fiorentina, un grupo que a pesar de no contar con ningún compositor de mérito ha legado obras como el "Discorso sopra la musica antica", en el que vemos reflejados los esfuerzos teóricos de Bardi y que fue escrito hacia 1580, mientras que la pareja formada por Laura y Emilio compuso música y libreto de "El sátiro" , "La desesperación de Fileno" , y "El juego de la ciega" , primeros antecedentes del melodrama . Jacopo Peri , notable cantante nacido en Roma en 1561 y fallecido en Florencia en 1633, fue uno de los más destacados integrantes de la Camerata Bardi y presentó en el Palazzo Corsi de Florencia una pastoral en un prólogo y seis cuadros durante los carnavales de 1597 sobre el tema de "Dafne" , pero el 6 de octubre de 1600, con motivo de la boda de María de Medicis con Enrique IV de Francia, estrenó en el Palazzo Pitti su "Euridice" , presentada como "tragedia en homenaje al ideal antiguo" sobre texto del poeta Ottavio Rinuccini , cantando él mismo el papel protagónico de Orfeo .
¿Es ésta la partida de nacimiento de la ópera?
Como hemos visto anteriormente, los orígenes de la ópera se remontan a los tiempos del Renacimiento y mucho tiene que ver la fuerte influencia del poeta (y de a ratos músico ) Torcuato Tasso, quien vivió entre 1544 y 1595 ejerciendo una fuerte influencia y dejando una estela de admiradores e incluso imitadores entre sus contemporáneos de la diversas cortes y ciudades-estado italianas. Uno de los más conocidos grupos o tertulias , como solía llamárseles , fue el que reunió a partir de 1576 en su residencia florentina el conde de Vernio, patriarca de una de la más poderosas familias de la ciudad, matemático, helenista, filólogo, pero por sobre todo un neoplatónico fascinado por la música que vivió entre los años 1534 y 1612 convirtiéndose en el arquetipo del mecenas renacentista. Giovanni Bardi era su nombre, y junto al funcionario y musicólogo Emilio dei Cavalieri y su cultísima y refinada amante Laura de Guidiccione, a los cantantes Jacopo Peri y Giulio Caccini, y al polígrafo y declamador Vincenzo Galilei (padre de Galileo, el futuro astrónomo que en para esta época es un niño de 12 años ) formaron lo que ha pasado a la historia como la Camerata Bardi o Camerata fiorentina, un grupo que a pesar de no contar con ningún compositor de mérito ha legado obras como el "Discorso sopra la musica antica", en el que vemos reflejados los esfuerzos teóricos de Bardi y que fue escrito hacia 1580, mientras que la pareja formada por Laura y Emilio compuso música y libreto de "El sátiro" , "La desesperación de Fileno" , y "El juego de la ciega" , primeros antecedentes del melodrama . Jacopo Peri , notable cantante nacido en Roma en 1561 y fallecido en Florencia en 1633, fue uno de los más destacados integrantes de la Camerata Bardi y presentó en el Palazzo Corsi de Florencia una pastoral en un prólogo y seis cuadros durante los carnavales de 1597 sobre el tema de "Dafne" , pero el 6 de octubre de 1600, con motivo de la boda de María de Medicis con Enrique IV de Francia, estrenó en el Palazzo Pitti su "Euridice" , presentada como "tragedia en homenaje al ideal antiguo" sobre texto del poeta Ottavio Rinuccini , cantando él mismo el papel protagónico de Orfeo .
¿Es ésta la partida de nacimiento de la ópera?
TALLER DE REFLEXION Y CREACION LITERARIA
A cargo del reconocido escritor
RODOLFO ALONSO
Premio Nacional de Poesía 1997
(junto a Juan Gelman)
Premiado en Argentina, España,
Venezuela, Brasil, Colombia, EEUU.
EN OLIVOS
(muy cerca de Panamericana y Ugarte)
4797-6312
CLASES INDIVIDUALES DE APOYO
PARA LIBROS EN GESTACIÓN
O TERMINADOS PARA EDITAR
Breve reseña de la carrera del SR. RODOLFO ALONSO
Poeta, traductor, ensayista y ex editor argentino. Es una voz reconocida de la poesía latinoamericana contemporánea. Fue el más joven de la legendaria revista de vanguardia “Poesía Buenos Aires”. A partir de “Salud o nada” (1954), publicó más de 25 libros, la mayoría de poemas pero también de ensayo y narrativa. Primer traductor de Fernando Pessoa en América Latina. Tradujo también a muchos otros importantes autores del francés, italiano y portugués, entre ellos Cesare Pavese, Giuseppe Ungaretti, Paul Éluard, Marguerite Duras, Eugenio Montale, Carlos Drummond de Andrade, Jacques Prévert, Dino Campana, Antonin Artaud, Guillaume Apollinaire, Pier Paolo Pasolini, Charles Baudelaire, Murilo Mendes, Manuel Bandeira, Rosalía de Castro, Paul Valéry, Olavo Bilac, Stéphane Mallarmé, André Breton, etc. Antologías y libros suyos fueron publicadas en Argentina, Bélgica, Colombia, España, México, Venezuela, Francia, Brasil, Italia, Cuba y, próximamente, Inglaterra. Escribió textos para cine, como el célebre corto metraje “Faena” (1960). Premio Nacional de Poesía (1997). Orden “Alejo Zuloaga” de la Universidad de Carabobo (Venezuela, 2002). Gran Premio de Honor de la Fundación Argentina para la Poesía (2004). Palmas Académicas de la Academia Brasileña de Letras (2005). Premio Único de Ensayo Inédito de la Ciudad de Buenos Aires (2005). Premio Festival Internacional de Poesía de Medellín (Colombia, 2006).
sábado, 1 de mayo de 2010
ENCUENTROS MUSICALES 2010
Las notas y comentarios publicados por la Prof. Elizabeth Ryske
forman parte de los encuentros que lleva a cabo en Olivos.
2º y 4º Viernes de cada mes 18 hs.
Para mas información sobre este evento puede contactarse con ella a través de:
artzoneproducciones@gmail.com
De chansons, aires, madrigales y otras yerbas
Por Elizabeth Ryske
Partiendo de ésta y de otras citas igualmente explícitas, y de argumentos arquitectónicos y acústicos , los estudiosos están de acuerdo en atribuir un fuerte contenido musical al teatro griego clásico, elemento que se habría transmitido también a las comedias del apogeo latino y que probablemente existiera ya en las primitivas ceremonias pánicas en forma de acompañamiento de flauta y tamboril, y en las trashumantes actividades del carro de Tespis, que dieron origen al teatro occidental.
La herencia pagana sobrevivió en la liturgia medieval cristiana, pero las representaciones cada vez fueron acercándose más a la secularización, del centro de la nave pasaron al atrio, y de éste a la plaza que casi siempre se halla junto las iglesias. A medida que se realizaba este proceso, se fue perdiendo poco a poco la parte musical y fue creciendo la declamada , y si a esto le sumamos que la transmisión de textos y partituras se realizaba casi exclusivamente por tradición oral, no es difícil comprender el empobrecimiento de la tradición musical para esta época en la cual los espectáculos fueron desplazándose de las iglesias a las cortes.
Son los albores del Renacimiento, la música vocal profana se extiende dando origen a la chanson francesa, que en la segunda mitad del siglo XVI estará profundamente marcada por la influencia de los poetas humanistas, que coinciden en ver a la música como la hermana menor de la poesía . En 1552 aparece el primer libro de Sonnets des amours, de Pierre Ronsard, que incluye un suplemento musical al final de la edición con diez textos en cuya composición intervinieron cuatro músicos, ya que el poeta los concibió de modo tal de facilitar con el corte de los versos, la alternancia de las rimas y los ritmos el trabajo del músico, invitándole a calcar su frase sobre la frase literaria. En los últimos treinta años del siglo aparece el término air, que se traduce literalmente como "aire" o "tonada", forma estrófica sobre versos breves que tiende a reemplazar melismas y ornamentaciones por la expresión silábica, y cuya estructura armónica desplaza claramente al contrapunto imitativo; este tipo de canción lleva el sello de un origen popular que paulatinamente revela tendencias más cultas y mayor refinamiento en sus textos.
En los múltiples estados en los que se halla dividida la península italiana, la vida musical es también muy activa y se crean un sinnúmero de academias, especie de salones literarios donde se intercambian reflexiones sobre el arte y donde se elaboran teorías de una vuelta a la Antigüedad, objetivo primordial de los humanistas. En este ambiente nace la frottola, novedosa concepción de la relación música/poesía, en la que, desentendiéndose de toda pretensión intelectual, la poesía se dedica a conservar una estructura simple, un ritmo vivo y una secuencia regular, es decir que el género no evoluciona desde el punto de vista literario sino que pretende ser simplemente el soporte de la creación musical, y en las primeras décadas del siglo XVI la frottola es cultivada por numerosos autores y se convierte en una contribución totalmente original de la sensibilidad italiana a la polifonía profana. El amor es el tema esencial para el arte del frottolista, pero tratado tanto con gravedad como humorística o melancólicamente, aunque también la poesía moral, las parodias, los temas mitológicos, aparecen en estas composiciones que dan origen a una estructura musical absolutamente opuesta al contrapunto culto introducido en Italia por los franceses y flamencos, replanteando la relación música/texto, poniendo de relieve los valores literarios . Y aunque la frottola a cuatro voces adopte la escritura polifónica propia de la música culta, la despoja de todo intelectualismo y reemplaza al contrapunto imitativo por melodías concisas establecidas sobre ritmos precisos surgidos directamente de la lectura del texto poético, confiriendo a la voz superior una supremacía melódica que para estas fechas sólo se practica en Italia. Esta preponderancia de la voz superior hace surgir un nuevo tratamiento de la baja, denotando un sentimiento armónico ya muy pronunciado y que se hace más evidente en las transcripciones para voz y laúd.
La música italiana tiene una deuda de gratitud con sus poetas comparable a la que Francia tiene con los suyos, de las colecciones de frottole de Petrucci, por ejemplo, se observa una tendencia a elegir textos cuyas formas poéticas son cada vez más elevadas, como el soneto, la canzone o el madrigal, el criterio literario penetra las preocupaciones de los músicos y a partir de 1514 con la publicación del libro Nº11 de Petrucci se comprueba una preferencia por poetas como Petrarca y sus imitadores. El músico buscará para estos textos de elevada inspiración poética una polifonía más sutil y rica en posibilidades sonoras, que encontrará en el motete, forma desdeñada por los frottolistas pero que todos los músicos conocían y practicaban : de esta manera, el contrapunto del arte sagrado se integra con la obra profana prestándole sus curvas melódicas flexibles y su tejido polifónico de sonoridades densas. Una poesía culta necesita de una polifonía culta : este nuevo género recibe el nombre de madrigal y conoce su esplendor de la mano de Adrian Willaert , cuyas composiciones a cuatro voces (casi siempre inspiradas en Petrarca) introducen en el género una forma más elaborada y un refinamiento acorde con la sociedad a la que se dirige.
Su discípulo Cyprien de Rore le sucede como maestro de capilla en San Marcos de Venecia en 1582, y publica cinco libros de madrigales en los que revela una sensibilidad atormentada, una afición a las emociones sombrías y un vivo interés por el simbolismo musical, escogiendo sus textos por las palabras que contienen y las imágenes que sugieren, alterando la forma literaria a voluntad según las necesidades musicales; favorece la evolución independiente de las voces , cada una de las cuales ilustra a su vez las palabras alternando el uso de un lenguaje variado que a veces puede ser silábico y otras veces melismático , siendo Cyprien de Rore el primer madrigalista para quien la expresión es un fin en sí, y treinta años más tarde Monteverdi recordará a este maestro cuyas composiciones fueron durante mucho tiempo el modelo a seguir e imitar.
Roland de Lassus, Jacques de Wert, son continuadores de su estilo, pero a los italianos y sólo a ellos les pertenece de aquí en más el destino del madrigal, apareciendo maestros como Andrea Gabrieli (que fuera durante mucho tiempo organista de San Marcos de Venecia) aportando al género el lujo melódico, el esplendor y el fasto presentes en su música de órgano y reflejados también en sus madrigales. Carlo Gesualdo , príncipe de Venosa ( h. 1560-1613) , gentilhombre napolitano apasionado, sombrío, violento y contradictorio, dejó seis libros de madrigales a 5 voces en los cuales la elección de los textos se aleja de los petrarquistas , encontrando en el tono de grandeza épica de su amigo Torquato Tasso (1544-1595) la sensibilidad excesiva con la cual se siente identificado. Los llantos, la angustia, las llamadas a la muerte liberadora que llenan sus madrigales, se apoyan en una escritura polifónica atormentada. La interpretación musical de las palabras significativas, especialmente cuando evocan sentimientos y actitudes (sospiri, ardore, brama, gioia) es a menudo exagerada, confiriendo a sus textos un pathos violento derivado de las líneas melódicas fantásticas, las conmociones permanentes del ritmo, y la aparición de un cromatismo que añade una dimensión nueva a estos verdaderos dramas polifónicos.
Ya está listo el escenario para la aparición de una estela de seguidores del poeta sorrentino , en diversas cortes y ciudades-estado italianas surgen grupos de admiradores e imitadores del estilo de Tasso, y uno de los más importantes de ellos es el que convoca en su casa el Conde de Vernio (1534-1612 ) , patriarca de una de las familias más poderosas de Florencia y arquetipo del mecenas renacentista.
Los esperamos entonces en la próxima entrega para hablar de la camerata fiorentina y el nacimiento de la ópera
Llamo lenguaje que deleita por su suavidad al que tiene ritmo, armonía y música; y digo usándose separadamente de una de las distintas maneras el hacer algunas cosas por metro solamente y otras en cambio por medio de la música.
Aristóteles
(en las páginas de su "Poética" destinadas a la descripción de la tragedia)
Partiendo de ésta y de otras citas igualmente explícitas, y de argumentos arquitectónicos y acústicos , los estudiosos están de acuerdo en atribuir un fuerte contenido musical al teatro griego clásico, elemento que se habría transmitido también a las comedias del apogeo latino y que probablemente existiera ya en las primitivas ceremonias pánicas en forma de acompañamiento de flauta y tamboril, y en las trashumantes actividades del carro de Tespis, que dieron origen al teatro occidental.
La herencia pagana sobrevivió en la liturgia medieval cristiana, pero las representaciones cada vez fueron acercándose más a la secularización, del centro de la nave pasaron al atrio, y de éste a la plaza que casi siempre se halla junto las iglesias. A medida que se realizaba este proceso, se fue perdiendo poco a poco la parte musical y fue creciendo la declamada , y si a esto le sumamos que la transmisión de textos y partituras se realizaba casi exclusivamente por tradición oral, no es difícil comprender el empobrecimiento de la tradición musical para esta época en la cual los espectáculos fueron desplazándose de las iglesias a las cortes.
Son los albores del Renacimiento, la música vocal profana se extiende dando origen a la chanson francesa, que en la segunda mitad del siglo XVI estará profundamente marcada por la influencia de los poetas humanistas, que coinciden en ver a la música como la hermana menor de la poesía . En 1552 aparece el primer libro de Sonnets des amours, de Pierre Ronsard, que incluye un suplemento musical al final de la edición con diez textos en cuya composición intervinieron cuatro músicos, ya que el poeta los concibió de modo tal de facilitar con el corte de los versos, la alternancia de las rimas y los ritmos el trabajo del músico, invitándole a calcar su frase sobre la frase literaria. En los últimos treinta años del siglo aparece el término air, que se traduce literalmente como "aire" o "tonada", forma estrófica sobre versos breves que tiende a reemplazar melismas y ornamentaciones por la expresión silábica, y cuya estructura armónica desplaza claramente al contrapunto imitativo; este tipo de canción lleva el sello de un origen popular que paulatinamente revela tendencias más cultas y mayor refinamiento en sus textos.
En los múltiples estados en los que se halla dividida la península italiana, la vida musical es también muy activa y se crean un sinnúmero de academias, especie de salones literarios donde se intercambian reflexiones sobre el arte y donde se elaboran teorías de una vuelta a la Antigüedad, objetivo primordial de los humanistas. En este ambiente nace la frottola, novedosa concepción de la relación música/poesía, en la que, desentendiéndose de toda pretensión intelectual, la poesía se dedica a conservar una estructura simple, un ritmo vivo y una secuencia regular, es decir que el género no evoluciona desde el punto de vista literario sino que pretende ser simplemente el soporte de la creación musical, y en las primeras décadas del siglo XVI la frottola es cultivada por numerosos autores y se convierte en una contribución totalmente original de la sensibilidad italiana a la polifonía profana. El amor es el tema esencial para el arte del frottolista, pero tratado tanto con gravedad como humorística o melancólicamente, aunque también la poesía moral, las parodias, los temas mitológicos, aparecen en estas composiciones que dan origen a una estructura musical absolutamente opuesta al contrapunto culto introducido en Italia por los franceses y flamencos, replanteando la relación música/texto, poniendo de relieve los valores literarios . Y aunque la frottola a cuatro voces adopte la escritura polifónica propia de la música culta, la despoja de todo intelectualismo y reemplaza al contrapunto imitativo por melodías concisas establecidas sobre ritmos precisos surgidos directamente de la lectura del texto poético, confiriendo a la voz superior una supremacía melódica que para estas fechas sólo se practica en Italia. Esta preponderancia de la voz superior hace surgir un nuevo tratamiento de la baja, denotando un sentimiento armónico ya muy pronunciado y que se hace más evidente en las transcripciones para voz y laúd.
La música italiana tiene una deuda de gratitud con sus poetas comparable a la que Francia tiene con los suyos, de las colecciones de frottole de Petrucci, por ejemplo, se observa una tendencia a elegir textos cuyas formas poéticas son cada vez más elevadas, como el soneto, la canzone o el madrigal, el criterio literario penetra las preocupaciones de los músicos y a partir de 1514 con la publicación del libro Nº11 de Petrucci se comprueba una preferencia por poetas como Petrarca y sus imitadores. El músico buscará para estos textos de elevada inspiración poética una polifonía más sutil y rica en posibilidades sonoras, que encontrará en el motete, forma desdeñada por los frottolistas pero que todos los músicos conocían y practicaban : de esta manera, el contrapunto del arte sagrado se integra con la obra profana prestándole sus curvas melódicas flexibles y su tejido polifónico de sonoridades densas. Una poesía culta necesita de una polifonía culta : este nuevo género recibe el nombre de madrigal y conoce su esplendor de la mano de Adrian Willaert , cuyas composiciones a cuatro voces (casi siempre inspiradas en Petrarca) introducen en el género una forma más elaborada y un refinamiento acorde con la sociedad a la que se dirige.
Su discípulo Cyprien de Rore le sucede como maestro de capilla en San Marcos de Venecia en 1582, y publica cinco libros de madrigales en los que revela una sensibilidad atormentada, una afición a las emociones sombrías y un vivo interés por el simbolismo musical, escogiendo sus textos por las palabras que contienen y las imágenes que sugieren, alterando la forma literaria a voluntad según las necesidades musicales; favorece la evolución independiente de las voces , cada una de las cuales ilustra a su vez las palabras alternando el uso de un lenguaje variado que a veces puede ser silábico y otras veces melismático , siendo Cyprien de Rore el primer madrigalista para quien la expresión es un fin en sí, y treinta años más tarde Monteverdi recordará a este maestro cuyas composiciones fueron durante mucho tiempo el modelo a seguir e imitar.
Roland de Lassus, Jacques de Wert, son continuadores de su estilo, pero a los italianos y sólo a ellos les pertenece de aquí en más el destino del madrigal, apareciendo maestros como Andrea Gabrieli (que fuera durante mucho tiempo organista de San Marcos de Venecia) aportando al género el lujo melódico, el esplendor y el fasto presentes en su música de órgano y reflejados también en sus madrigales. Carlo Gesualdo , príncipe de Venosa ( h. 1560-1613) , gentilhombre napolitano apasionado, sombrío, violento y contradictorio, dejó seis libros de madrigales a 5 voces en los cuales la elección de los textos se aleja de los petrarquistas , encontrando en el tono de grandeza épica de su amigo Torquato Tasso (1544-1595) la sensibilidad excesiva con la cual se siente identificado. Los llantos, la angustia, las llamadas a la muerte liberadora que llenan sus madrigales, se apoyan en una escritura polifónica atormentada. La interpretación musical de las palabras significativas, especialmente cuando evocan sentimientos y actitudes (sospiri, ardore, brama, gioia) es a menudo exagerada, confiriendo a sus textos un pathos violento derivado de las líneas melódicas fantásticas, las conmociones permanentes del ritmo, y la aparición de un cromatismo que añade una dimensión nueva a estos verdaderos dramas polifónicos.
Ya está listo el escenario para la aparición de una estela de seguidores del poeta sorrentino , en diversas cortes y ciudades-estado italianas surgen grupos de admiradores e imitadores del estilo de Tasso, y uno de los más importantes de ellos es el que convoca en su casa el Conde de Vernio (1534-1612 ) , patriarca de una de las familias más poderosas de Florencia y arquetipo del mecenas renacentista.
Los esperamos entonces en la próxima entrega para hablar de la camerata fiorentina y el nacimiento de la ópera
Suscribirse a:
Entradas (Atom)