LA BOHEME LLEGA A FLORES

LOS ESPERAMOS PARA COMPARTIR NUESTRA ULTIMA OPERA DEL AÑO EN FLORES. DOMINGO 2 DE DICIEMBRE A LAS 15.30 HS.

LA BOHEME de Giacomo Puccini

Poster Original de 1896

La bohème es una ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, quienes simplificaron y aunaron los diferentes episodios de la novela por entregas Escenas de la vida bohemia de Henry Murger,publicada en el periódico El Corsario a lo largo de cinco años (1845-49). Refleja las vivencias de Puccini durante los años de estudiante en el conservatorio de Milán, donde compartió habitación con Pietro Mascagni.

El estreno de La Bohème tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896. y dirigido por un joven Arturo Toscanini. La obra tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica. Actualmente, La bohème es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece como la cuarta más representada en todo el mundo para el período 2005-2010. En 1946, cincuenta años después del estreno de la ópera, Toscanini dirigió una representación con la Orquesta Sinfónica de la NBC. Esta representación fue con el tiempo lanzada en disco y en cd. Es la única grabación de una ópera de Puccini por su director original.

Autografo del gran maestro Puccini

Origen de la historia

Según su portada, el libreto de La bohème se basa en la novela Scènes de la vie de bohème de Henri Murger, una colección de viñetas retratando jóvenes bohemios viviendo en el Barrio Latino de París en los años 1840. Aunque normalmente se le llama novela, no tiene una trama unificada. Como la obra teatral de 1849 de Murger y Théodore Barrière, el libreto de la ópera se centra en la relación entre Rodolfo y Mimì, acabando con su muerte. También como en la obra, el libreto funde dos personajes de la novela, Mimì y Francine, en un solo personaje de Mimì.

Gran parte del libreto es original. Las principales tramas de los actos II y III son invención de los libretistas, con sólo unas pocas referencias de paso a incidentes y personajes de Murger. La mayor parte de los actos I y IV siguen la novela, juntando episodios de varios capítulos. Las escenas finales de los actos I y IV —las escenas con Rodolfo y Mimì— aparecen tanto en la obra teatral como en la novela. La historia de su encuentro sigue fielmente el capítulo 18 de la novela, en la que los dos amantes que viven en una buhardilla no son Rodolphe y Mimì en absoluto, sino más bien Jacques y Francine. La historia de la muerte de Mimì en la ópera surge de dos capítulos diferentes de la novela, uno referido a la muerte de Francine y el otro a la de Mimì.

El libreto publicado incluye una nota de los libretistas discutiendo brevemente su adaptación. Sin mencionar la obra teatral directamente, defendieron su fusión de Francine y Mimì en un sólo personaje: "Chi puo non confondere nel delicato profilo di una sola donna quelli di Mimì e di Francine?" ("¿Quién puede no detectar en el delicado perfil de una mujer la personalidad tanto de Mimì como la de Francine?") En aquella época, la novela estaba en el dominio público, habiendo muerto Murger sin herederos, pero los derechos de la obra teatral aún eran controlados por los herederos de Barrière.

Historia de las representaciones

Éxito inicial

Elisa Petri

El estreno mundial de La bohème tuvo lugar en Turín el 1 de febrero de 1896 en el Teatro Regio y fue dirigido por el joven Arturo Toscanini. La ópera rápidamente se hizo popular por toda Italia y pronto se montaron producciones por las siguientes compañías : el Teatro de San Carlos (14 de marzo de 1896, con Elisa Petri como Musetta y Antonio Magini-Coletti como Marcello); el Teatro Comunale de Bolonia (4 de noviembre de 1896, con Amelia Sedelmayer como Musetta y Umberto Beduschi como Rodolfo); el Teatro Costanzi (17 de noviembre de 1896, con Maria Stuarda Savelli como Mimì, Enrico Giannini-Grifoni como Rodolfo, y Maurizio Bensaude como Marcello); La Scala (15 de marzo de 1897, con Angelica Pandolfini como Mimì, Camilla Pasini como Musetta, Fernando De Lucia como Rodolfo, y Edoardo Camera como Marcello); La Fenice(26 de diciembre de 1897, con Emilia Merolla como Mimì, Maria Martelli como Musetta, Giovanni Apostolu y Franco Mannucci como Rodolfo, y Ferruccio Corradetti como Marcello); Teatro Regio de Parma (29 de enero 1898, con Solomiya Krushelnytska como Mimì, Lina Cassandro como Musetta, Pietro Ferrari como Rodolfo, y Pietro Giacomello como Marcello); y el Teatro Donizetti de Bergamo (21 de agosto de 1898, con Emilia Corsi como Mimì, Annita Barone como Musetta, Giovanni Apostolu como Rodolfo, y Giovanni Roussel como Marcello).

Antonio Magini Coletti

La primera representación de La bohème fuera de Italia fue en el Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, el 16 de junio de 1896. La ópera se estrenó en Alejandría, Lisboa y Moscú a principios de 1897. El estreno británico tuvo lugar en el Teatro Real en Manchester, el 22 de abril de 1897, en una presentación de la compañía de ópera Carl Rosa supervisada por Puccini. Esta representación se ofreció en inglés y lo protagonizaron Alice Esty como Mimì, Bessie McDonald como Musetta, Robert Cunningham como Rodolfo, y William Paull como Marcello. El 2 de octubre de 1897 la misma compañía dió la primera representación de la ópera en la Royal Opera House en Londres y el 14 de octubre de 1897 en Los Ángeles para el estreno en los Estados Unidos. La ópera alcanzó Nueva el 16 de mayo de 1898 cuando se representó en el Teatro de Ópera de Palmo con Giuseppe Agostini como Rodolfo. La primera producción de la ópera realmente producida por la Royal Opera House en sí se estrenó el 1 de julio de 1899 con Nellie Melba como Mimì, Zélie de Lussan como Musetta, Fernando De Lucia como Rodolfo, y Mario Ancona como Marcello.

La bohème se estrenó en Alemania en el Teatro de Ópera Kroll en Berlín el 22 de junio de 1897. El estreno francés de la ópera se presentó en la Opéra-Comique el 13 de junio de 1898 en el Théâtre des Nations. La producción usó una traducción al francés de Paul Ferrier y protagonizado por Julia Guiraudon como Mimì, Jeanne Tiphaine como Musetta, Adolphe Maréchal como Rodolfo, y Lucien Fugère como Marcello.

Siglo XX

La bohème siguió ganando popularidad internacional a principios del siglo XX y solo la Opéra-Comique había presentado ya la ópera cien veces en 1903. El estreno belga tuvo lugar en La Moneda el 25 de octubre de 1900 usando la traducción al francés de Ferrier con Marie Thiérry como Mimì, Léon David como Rodolfo, Eugène-Charles Badiali como Marcello, escenarios de Pierre Devis, Armand Lynen, y Albert Dubosq, y Philippe Flon dirigiendo. La Metropolitan Opera representó la obra por vez primera el 26 de Diciembre de 1900 con Nellie Melba como Mimì, Annita Occhiolini-Rizzini como Musetta, Albert Saléza como Rodolfo, Giuseppe Campanari como Marcello, y Luigi Mancinelli dirigiendo.

Nellie Melba y Enrico Caruso

La ópera se presentó por vez primera en Brasil en el Teatro Amazonas de Manaos el 2 de julio de 1901 con Elvira Miotti como Mimì, Mabel Nelma como Musetta, Michele Sigaldi como Rodolfo, y Enrico De Franceschi como Marcello. Pronto le siguieron otros estrenos:

§                    Melbourne: 13 de julio de 1901 (Her Majesty's Theatre; primera representación en Australia)

§                    Mónaco: 1 de febrero de 1902, Ópera de Montecarlo en Montecarlo con Nellie Melba como Mimì, Enrico Caruso como Rodolfo, Alexis Boyer como Marcello, y Léon Jehin dirigiendo

§                    Prato: 25 de diciembre de 1902, Regio Teatro Metastasio con Ulderica Persichini como Mimì, Norma Sella como Musetta, Ariodante Quarti como Rodolfo, y Amleto Pollastri como Marcello.

§                    Catania: 9 de julio de 1903, Politeama Pacini con Isabella Costa Orbellini como Mimì, Lina Gismondi como Musetta, Elvino Ventura como Rodolfo, y Alfredo Costa como Marcello.

§                    Austria: 25 de noviembre de 1903, Ópera Estatal de Viena en Viena con Selma Kurz como Mimì, Marie Gutheil-Schoder como Musetta, Fritz Schrödter como Rodolfo, Gerhard Stehmann como Marcello, y Gustav Mahler dirigiendo.

§                    Suecia: 19 de mayo de 1905, Real Teatro Dramático en Estocolmo, presentado por la Real Ópera de Suecia con Maria Labia como Mimì.

ARGUMENTO LA BOHEME

La historia se ambienta en París en el período alrededor del año 1830.

Se centra esencialmente en el amor entre la modista llamada Mimì y el poeta Rodolfo. Se enamoran nada más conocerse, pero Rodolfo más tarde quiere dejar a Mimì por su comportamiento coqueto. Sin embargo, resulta que Mimì está mortalmente enferma, y Rodolfo se siente culpable, pues su vida juntos ha empeorado su salud aún más. Se unen de nuevo por un breve momento antes de que ella se muera.

Acto I

En la buhardilla de los bohemios.

Marcello pinta mientras Rodolfo mira por la ventana. Como no tienen combustible y hace frío, utilizan los manuscritos del drama que está escribiendo Rodolfo para hacer fuego. Colline, el filósofo, entra en la pieza congelado y molesto por no haber podido empeñar unos libros. Schaunard, el músico, llega con comida, madera, vino y dinero; explica a sus compañeros la fuente de su súbita riquezas, un trabajo con un excéntrico caballero inglés. Nadie le presta atención porque caen sobre la comida, que es retirada rápidamente por Schaunard, y declarando que, en lugar de ello, todos celebrarán su buena suerte cenando en el Cafe Momus. Mientras beben, llega Benoît, el casero, en busca del pago de la renta. Los bohemios le engatusan ofreciéndole vino, y, en medio del efecto del alcohol, les narra sus aventuras amorosas, añadiendo que está también casado, ante lo cual todos reaccionan con una indignación pacata, fingida, y le echan de la habitación sin pagarle la renta. Deciden que lo mejor es utilizar ese dinero para irse de parranda por el Barrio Latino.

Los otros bohemios salen, pero Rodolfo se queda solo por un momento para terminar un artículo que está escribiendo, prometiendo reunirse con sus amigos pronto. En ese momento alguien llama a la puerta, y entra Mimí, una modista que vive en otra habitación del edificio. Ha venido a pedir que le ayuden a encender nuevamente su vela, que se le ha apagado. Sale, pero regresa en seguida porque ha olvidado su llave. En ese momento, ambas luces se apagan y en la oscuridad deben buscar la llave. Rodolfo, deseoso de pasar tiempo con Mimì, encuentra la llave y se la guarda en el bolsillo, fingiendo inocencia. Cuando sus manos tropiezan, ambos aprovechan la ocasión para contar la historia de sus vidas: él interpreta Che gelida manina / "Qué manita más fría" y ella, Sì, mi chiamano Mimi / "Sí, me llaman Mimí". Son interrumpidos por las voces de los amigos, impacientes, que han venido a buscar a Rodolfo, pero mientras él sugiere quedarse en casa con Mimì, ella decide acompañarlo. Mientras se van, cantan su amor recién encontrado (dúo: O soave fanciulla / "¡Oh! Dulce muchacha".

Acto II

Barrio Latino

En las calles hay una gran multitud, junto con niños, que se divierte mientras los vendedores callejeros vociferan sus productos (coro: Aranci, datteri! Caldi i marroni! / "¡Naranjas, dátiles! ¡Castañas calientes!"). Aparecen los amigos, animados con alegría; Rodolfo le compra a Mimì un sombrero. Los parisinos cotillean con sus amigos y regatean con los vendedores; los niños de las calles claman por ver las mercancías de Parpignol, el juguetero. Los amigos entran en el Café Momus.

Mientras los hombres y Mimì beben y comen en el café, aparece Musetta, ex de Marcello, acompañada de su rico (y envejecido) admirador, ministro del gobierno, Alcindoro, a quien ella trata como si fuera un perrillo faldero. Queda claro que se ha cansado de él. Ella intenta de varias maneras llamar la atención de Marcello, y lo logra cantando una sensual aria dedicada fingidamente a su nuevo amante, que hace las delicias de los parisinos y avergüenza a su patrón (vals de Musetta: Quando m'en vò / "Cuando voy"). Pronto Marcello arde de celos. Para librarse un poco de Alcindoro, Musetta finge un dolor en un pie, por culpa del zapato que le aprieta demasiado, y hace que Alcindoro vaya a buscarle un nuevo par. Durante la confusión que sigue, Musetta aprovecha para reunirse con su amado Marcello y se reconcilian.

Cuando los bohemios deciden pagar la cuenta para marchar, encuentran que Schaunard no tiene suficiente dinero, y siguiendo una sugerencia de Musetta, deciden cargar la cuenta a Alcindoro. Soldados desfilan en la calle, y aprovechando la confusión, Marcello y Colline llevan a Mussetta en brazos y huyen, bajo la risa cómplice de los espectadores. Cuando se han ido todos, Alcindoro llega con el par de zapatos buscando a Musetta. El camarero le entrega la cuenta, y, horrorizado por el importe, Alcindoro se hunde en una silla.

Acto III

En la aduana de Enfer

Los vendedores ambulantes pasan la barrera y entran en la ciudad. Entre ellos está Mimí, tosiendo violentamente. Intenta encontrar a Marcello, quien vive en una pequeña taberna cercana donde él pinta anuncios para el tabernero. Ella le cuenta lo difícil que se ha vuelto la vida con Rodolfo, que ha abandonado la casa la noche anterior (aria: O buon Marcello, aiuto! / "¡Oh! ¡Marcello, ayuda!"). Marcello le cuenta que Rodolfo está durmiendo en una taberna donde él también vive. Rodolfo, que acaba de despertar y busca a Marcello, entra en escena. Mimí rápidamente se oculta y oye a Rodolfo decirle primero a Marcello que ha abandonado a Mimí debido a que es demasiado coqueta con otros hombres, pero luego confiesa que él tiene miedo de que ella esté consumiéndose lentamente por una enfermedad mortal (muy probablemente tuberculosis, conocida por la palabra comodín "consunción" en el siglo XIX). Rodolfo, en su pobreza, poco puede hacer por ayudar a Mimì y decidió fingir no amarla más para que ésta se olvide de él y se vaya a vivir con otro hombre que pueda proporcionarle un modo de vida más confortable (¡Mimí e tanto malata! / "¡Mimí está tan enferma!"). Marcello, preocupado por Mimí intenta hacerle callar, pero ella ya lo ha escuchado todo y se descubre a sí misma cuando tose violentamente. Marcello les deja para volver con Musetta. Rodolfo y Mimì cantan a su amor perdido. Planean separarse amistosamente (Mimí: Donde lieta usci / "Donde felíz salí"), pero su amor mutuo es demasiado fuerte. Llegan a un compromiso: deciden permanecer juntos hasta que llegue la estación de las flores, la primavera, cuando el mundo revive de nuevo y nadie se siente verdaderamente solo. Mientras tanto, Marcello se ha unido con Musetta, y en la distancia se escucha su feroz discusión: un contrapunto antitético a la reconciliación de la otra pareja (cuarteto de Mimì, Rodolfo, Musetta, Marcello: Addio dolce svegliare alla mattina! / "Adiós, dulces despertares por la mañana!").

Acto IV

Nuevamente en la buhardilla

Marcello y Rodolfo parecen trabajar, aunque están principalmente lamentándose por la pérdida de sus respectivas amadas (dúo: ¡O Mimì!, ¡Tu più non torni! / "¡Oh Mimí! ¡No regresarás!"). Schaunard y Colline entran con una cena muy frugal, que consiste de algo de pan y un arenque, y los cuatro parodian un delicioso banquete, cantando y bailando (Gavota!). Musetta entra alarmada con noticias: Mimì, que aceptó a un vizconde después de dejar a Rodolfo en la primavera, ha dejado a su protector. Musetta la ha encontrado vagando por las calles, muy debilitada por su enfermedad, y se la ha traído consigo a la buhardilla. Todos ayudan a la chica, demacrada y pálida, a sentarse en una silla. Preocupados, Musetta y Marcello salen de la habitación para vender las joyas de ella y así comprar algunas medicinas, y Colline sale para empañar su abrigo (Vecchia zimarra, senti / "Viejo abrigo, escucha"). Schaunard, instado por Colline, se marcha calladamente para dejar a Mimì y Rodolfo tiempo juntos. Solos, Rodolfo y Mimí, recuerdan sus tiempos felices (dúo de Mimì y Rodolfo: Sono andati? / "¿Se han ido?"). Recuerdan su primer encuentro —las velas, la llave perdida— y, para placer de Mimì, Rodolfo le entrega el sombrerito rosa que él le compró a ella y que ha conservado como un recuerdo de su amor. Regresan todos, con un manguito como regalo para calentar las manos de Mimì y alguna medicina. Le dicen a Rodolfo que han llamado al médico. Se postran a los pies de la cama, Musetta reza una plegaria, y Mimí, inadvertidamente, queda inconsciente. Mientras Musetta reza, Mimì muere. Schaunard descubre a Mimì sin vida. Rodolfo cae en la cuenta y grita ¡Mimí...! ¡Mimí...! angustiado, y llora sin poder contenerse

SELECCION DE VIDEOS LA BOHEME

Jose Carreras 1982, magistral interpretacion en la Scala,

dirigido por Ricardo Muti

Tal vez la mejor interpretacion de los ultimos tiempos de esta aria

Como saben nos gusta encontrar perlitas como esta :

el tenor italiano Giuseppe de Stefano en la unica versión

filmica de él cantando Che gelida manina. UNA JOYA.

Mirella Freni como Mimi "Si, mi chiamano Mimi" La boheme

Mimí en la voz de Montserrat Caballe

Marcelo Alvarez y Cristina Gallardo-Domas con Battista Parodi, interpretan la 2ª parte del acto IV de la òpera La Bohème de Puccini.Producción de la Scala di Milano del año 2003 condirección musical de Bruno Bartoletti y artistica de Franco Zeffirelli.

Ainhoa Arteta "Quando men vo" La boheme Met 2008

SI PODES AYUDA

Queridos amigos.:

Este año el Centro Cultural Marco del Pont inaugura una movida que -pretendemos- persista en el tiempo. Durante poco mas de un mes recibiran donaciones de juguetes para entregar el 22 de Diciembre en un merendero del barrio de Flores, barrio al que pertenece este espacio cultural.

Pedimos que quien quiera y pueda traiga un chiche en buen estado (nuevo o usado), para que esta navidad Papá Noel venga para todos los chicos, o al menos ayudar a que la mayor cantidad posible de chicos tenga su regalito.

No solemos utilizar nuestros contactos para molestar, ni los compartimos con nadie. Pero esta vez pensamos que por única vez podríamos solicitar la colaboración de todos para que nos ayuden a difundir esta iniciativa solidaria, y así poder juntar la mayor cantidad de chiches posible. Los pibes lo agradecen con una sonrisa que no se borra nunca mas de la memoria.

Hicieron un flyer, que enviamos adjunto para que quien quiera y pueda lo haga circular vía mail, Facebook, impreso o como quiera.

Agradecemos enormemente el tiempo que dedicaron a leer esto y todo esfuerzo para difundir por mas pequeño que parezca.

COORDINADOR:

Sr Sergio Bensi

Comunicación/Promotor del Centro Cultural Marcó del Pont

ccmarcodelpont@hotmail.com

15-6902-6790

NOVIEMBRE EN EL CONCEJO DELIBERANTE DE VICENTE LOPEZ

Los esperamos como siempre para disfrutar juntos de estas maravillosas Operas.
Las versiones que vamos a compartir están dirigidas ambas por Franco Zeffirelli; Cavalleria Rusticana interpretada por Placido Domingo, Helena Obraztsova, Fedora Barbieri, Renato Brusón y Pagliacci por Placido Domingo, Teresa Stratas y Juan Pons.
Nos vemos el miércoles, recuerden de llegar 10 minutos antes para conseguir buenos lugares e inviten a sus amigos, la entrada como siempre es LIBRE Y GRATUITA.

EL VERISMO

Pietro Mascagni

El verismo literario es una tendencia surgida entre 1875 y 1896 en Italia y operada por un grupo de escritores, principalmente narradores y comediógrafos, que constituyeron una verdadera y propia escuela fundada sobre principios precisos.
Viene aunada fundamentalmente para referirse a un tipo de personajes, situaciones y emociones reales (incluso de la vida de las clases sociales bajas). Se caracteriza por sus tramas sórdidas.

Verismo también denomina a una tradición operística post-romántica italiana, asociada a compositores tales como Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo y Giacomo Puccini, quienes defendían traer el naturalismo de escritores como Émile Zola y Henrik Ibsen a la ópera.

Aunque Carmen de Bizet (1875) fue la primera ópera realista, el Verismo realmente llega luego de quince años en Italia, con la premiere histórica de Cavalleria Rusticana (1890) de Pietro Mascagni.

Aunque algunos mencionen los orígenes del verismo en la ópera Carmen; sus referentes son indudablemente Mascagni y Leoncavallo.

Leoncavallo

Verismo como estilo operístico

Internacionalmente el término es más ampliamente conocido como un estilo de ópera italiana iniciada en 1890 con Cavalleria Rusticana de Mascagni y culminada en los primeros años del siglo XX. El estilo se distingue por el retrato realista – algunas veces sórdido o violento – de la vida cotidiana contemporánea, especialmente la vida de las clases bajas, rechazando los temas históricos del Romanticismo, o los míticos. Por el contrario, la íntima penetración psicológica en escenarios realistas de naturaleza social “charlatana” de una obra como Der Rosenkavalier de Richard Strauss no es discutida normalmente en términos de Verismo, simplemente debido a su puesta “de estilo”.

El enfoque “realista” del Verismo se extiende también a la música, la cual es en general continua y no está dividida en “números separados” en la partitura; “números” que podrían ser extractados y fácilmente presentados en conciertos (como sucedía en los géneros operísticos anteriores). El Verismo, así, abandona las arias de coloratura (o arias cerradas) en favor de un canto más fluido y los recitativos. Esto no es siempre cierto, al menos - Cavalleria Rusticana, Pagliacci, y Tosca poseen arias y coros que son constantemente presentados en recitales. En contraste,Turandot (inconclusa a la muerte de Puccini) marca un retorno al estilo de “números”.

El término verismo es utilizado algunas veces para describir el particular estilo musical que prevaleció entre los compositores italianos durante los últimos años del siglo XIX y principios del siglo XX. Para la mayoría de los veristi, la temática verista tradicionalmente sólo se aplicó a algunas de sus obras. El mismo Mascagni escribió una comedia pastoral, (L'amico Fritz), una obra simbolista situada en Japón, (Iris), y un par de romances medievales (Isabeau y Parisina). Estas obras se encuentran lejos de la típica temática del Verismo, pero se escriben en el mismo estilo musical general que sus temas más puramente veristas. Por lo tanto, el contexto es muy importante para comprender el significado cierto del término Verismo: es utilizado como descripción de los dramas apasionados y duros de la clase trabajadora, para el cual el término fue acuñado, pero también como el movimiento cultural de estos compositores.

Principales exponentes

Giacomo Puccini

Aunque alrededor del mundo Giacomo Puccini es generalmente aceptado como el compositor más grande del Verismo, esta afirmación es ampliamente discutida por críticos musicales italianos. Incluso si alguno de ellos lo ve como parte de este estilo, otros aceptan simplemente una implicación parcial. La aseveración más aceptada es que al menos algunas de sus óperas (por ejemplo, Tosca) son clasificables como veristas. Y si no se utiliza "Verismo" como sinónimo de "baño de sangre", puede postularse que Puccini nos legó la ópera "realista" más perfecta,La Bohème.

Los más famosos compositores de ópera verista, descontando  a Giacomo Puccini, fueron Pietro Mascagni (cuyo Cavalleria Rusticana es muy a menudo presentada a la par de Pagliacci), Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, y Francesco Cilea.

Había, sin embargo, muchos otros “veristi”: Franco Alfano (muy conocido por completar Turandot de Puccini), Alfredo Catalani, Gustave Charpentier (Louise), Eugen d'Albert (Tiefland), Ignatz Waghalter (Der Teufelsweg y Jugend), Alberto Franchetti, Franco Leoni, Jules Massenet (La Navarraise), Licinio Refice, Ermanno Wolf-Ferrari, y Riccardo Zandonai. Los compositores de ópera verista italiana integraban un grupo conocido como Giovane Scuola ("escuela joven").

Algunas obras de Verdi son también claramente veristas. 

CAVALLERIA RUSTICANA Y PAGLIACCI

Ilustración de Cavalleria rusticana, alrededor de 1880

Cavalleria rusticana        

Cavalleria rusticana es un melodrama en un acto con música de Pietro Mascagni y libreto en italiano de Giovanni Targioni-Tozzetti y Guido Menasci, basado en un relato del novelista Giovanni Verga. Considerada una de las clásicas óperas del verismo, se estrenó el 17 de mayo de 1890 en el Teatro Constanzi de Roma.

Cavalleria rusticana sigue siendo una de las óperas más populares; por su duración, desde 1893 se ha representado a menudo en un programa doble llamado Cav/Pag, con Pagliacci de Ruggero Leoncavallo. Hay piezas que se suelen interpretar por separado en conciertos, como los coros o el intermedio orquestal. La popularidad de esta obra, de gran emotividad, se vio enormemente reforzada por la inclusión de parte de una representación de la misma en la película "El Padrino III".

Cubierta de una edición de 1906 del libreto de la ópera.

Historia de la composición

En julio de 1888 el editor milanés de música Edoardo Sonzogno anunció una competición abierta a todos los jóvenes compositores italianos que aún no hubieran visto una ópera suya representada en el escenario. Se les invitó a presentar una ópera en un acto, y las tres mejores (seleccionadas por un jurado de cinco destacados críticos y compositores italianos) se representarían en Roma a cargo de Sonzogno.

Mascagni oyó hablar del concurso sólo dos meses antes de la fecha final y pidió a su amigo Giovanni Targioni-Tozzetti, un poeta y profesor de literatura en la Real Academia naval italiana en Livorno, que le proporcionara un libreto. Targioni-Tozzetti eligió Cavalleria rusticana, un cuento popular de Giovanni Verga como la base de la ópera. Él, junto con su colega Guido Menasci se pudieron a componer el libreto, enviándoselo a Mascagni a trozos, a veces sólo unos pocos versos esa vez en la parte de atrás de una postal. La ópera fue finalmente presentada el último día del plazo. En total, se presentaron 73 óperas, y el 5 de marzo de 1890, los jueces seleccionaron las tres obras finales: Labilia de Niccola Spinelli,Rudello de Vincenzo Ferroni y Cavalleria rusticana.

Gemma Bellincioni como Santuzza, y su esposo, Roberto Stagno, como Turiddu,
en el estreno de 1890 de Cavalleria rusticana

Historia de las representaciones

Aunque Mascagni había empezado a escribir otras dos óperas antes (Pinotta, estrenada en 1932 y Guglielmo Ratcliff, estrenada en 1895),Cavalleria rusticana fue su primera obra terminada y representada. Sigue siendo la más conocida de sus quince óperas y operetas). Aparte de Cavalleria rusticana, sólo Iris y L'amico Fritz han permanecido en el repertorio estándar, con Isabeau y con Il piccolo Marat en los límites exteriores del repertorio italiano.

Su éxito ha sido un fenómeno desde su primera representación en el Teatro Costanzi en Roma el 17 de mayo de 1890 hasta la actualidad. Cuando Mascagni murió en 1945, la ópera había alcanzado, tan solo en Italia, las 14.000 representaciones.

La primera representación de Cavalleria rusticana causó sensación, con Mascagni apareciendo 40 veces a saludar en la noche del estreno, y ganando el Primer Premio. Aquel mismo año, después de venderse todas las representaciones en el Teatro Costanzi, la ópera se produjo por toda Italia y en Berlín. 

PAGLIACCI

Alrededor del año 1890, cuando Cavalleria rusticana se estrenó, Leoncavallo era un compositor poco conocido. Después de ver su éxito, decidió escribir una ópera parecida. Iba a ser en un acto y compuesta en estilo verista. Le demandaron por plagio del libreto de Catulle Mendès, cuya obra de 1887 titulada La Femme de Tabarin comparte muchos temas con Pagliacci, principalmente la "obra dentro de la obra" y el payaso que asesina a su esposa. La defensa de Leoncavallo fue que la trama de la ópera se basa en una historia verdadera que había visto de pequeño. Afirmó que un criado lo había llevado a una representación de la comedia del arte en la que los acontecimientos de la ópera habían realmente ocurrido. También dijo que su padre, que era un juez, había llevado a cabo la investigación criminal, y que tenía documentos que apoyaba estas alegaciones, pero nada de esta evidencia apareció nunca. Hoy la mayor parte de los críticos están de acuerdo en que el libreto se inspiró verdaderamente en la obra de Mendès puesto que Leoncavallo vivía en París en la época de su estreno, y es probable que viera la obra.

Se estrenó el 21 de mayo de 1892 en el Teatro dal Verme de Milán, dirigida por Arturo Toscanini con Adelina Stehle como Nedda, Fiorello Giraud como Canio, Victor Maurel como Tonio y Mario Ancona como Silvio. Pagliacci fue un éxito instantáneo y sigue siendo popular hoy. Contiene una de las arias de ópera más famosa y popular, "Recitar! ... Vesti la giubba" (literalmente, ¡Interpretar! ... Ponte el vestuario).

Carátula original de Pagliacci

El estreno en los EE.UU. tuvo lugar en la Grand Opera House de Nueva York el 15 de junio, mientras que la Metropolitan Opera reprsentó la obra por vez primera el 11 de diciembre del mismo año (junto con Orfeo y Eurídice), Nedda cantada por Nellie Melba. El Met la combinó con Cavalleria rusticana por vez primera once días después el 22 de diciembre. Desde 1893 se ha presentado allí 712 veces (la más reciente en abril de 2009), y desde 1944, exclusivamente con Cavalleria. En el Teatro Colón (Buenos Aires) se estrenó en la temporada inaugural de 1908 con Amedeo Bassi y Titta Ruffo repitiéndose en dieciocho temporadas: 1909, 1910, 1915, 1916 y 1917 (ambas con Enrico Caruso) y 1918-1926 con Aureliano Pertile, 1928, 1929, 1931, 1932, 1943, 1957, 1968, 1980, 1992 y 2000.

Nellie Nelba

Pagliacci sigue siendo una de las óperas más populares; desde 1893, se representa en un programa doble con Cavalleria Rusticana de Mascagni, una pareja que habitualmente es conocida de forma coloquial como "Cav y Pag". Ambas son las óperas más representativas del estilo denominado verista. Aunque este emparejamiento ha sido la norma en la mayor parte de los lugares, algunos teatros han llegado tardíamente a esta costumbre. Por ejemplo, el Teatro Mijailovski en San Petersburgo presentó el programa doble por vez primera sólo en febrero de 2009. También se sabe que se han representado como una obra aislada, en el caso de la Washington National Opera en noviembre de 1997 por Franco Zeffirelli con Plácido Domingo como Canio y Véronica Villarroel como Nedda.

Los grandiosos Nellie Nelba y Enrico Caruso

Su aria para tenor, "Vesti la giubba", se ha convertido en emblemática para este tipo de cantante lírico desde Enrico Caruso, Miguel Fleta,Giovanni Martinelli, Beniamino Gigli, Mario del Mónaco, Jussi Björling a Giuseppe Di Stefano, Jon Vickers, Carlo Bergonzi, Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, José Cura y Roberto Alagna.

Enrico Caruso como Canio en Pagliacci, uno de sus papeles más significativos.

ARGUMENTOS

CAVALLERIA RUSTICANA

La acción se desarrolla en la Sicilia del siglo XIX en el día de Pascua.

Turiddu, un joven del pueblo, ha vuelto del servicio militar para encontrarse con el hecho de que, mientras él estaba afuera, su amor Lola, se ha casado con Alfio, el próspero carretero del pueblo. En venganza, Turiddu seduce a Santuzza, una muchacha del pueblo. Al empezar la ópera, Lola, muerta de celos por Santuzza, ha comenzado una relación adúltera con Turiddu.

Sin haberse levantado aún el  telón , comienza la ópera con uno de los fragmentos para solistas más famosos, la  serenata  conocida como ''La  siciliana '', que Turiddu dedica a Lola. Ella y Turiddu hablan fuera de escena. El telón se alza sobre la plaza principal del pueblo. Se ve, al fondo a la derecha una iglesia y a la izquierda, la taberna y la casa de Mamma Lucía, donde vive con su hijo Turiddu. Los hombres corren al reclamo de amor de las mujeres, como vuela el pájaro al reclamo de su amada. Todo el pueblo está reunido en la iglesia, delante de la taberna de Mamma Lucia. Los parroquianos van entrando en la iglesia. Canta un coro ''Gli aranci olezzano'' - ""El aire es dulce con la flor de azahar", que se interpreta frecuentemente en conciertos de  Repertorio coral, y un himno a la Virgen María. Algunos campesinos entran en la iglesia, otros van paseando mientras su canto disminuye.

Mamma Lucía sale de la taberna. Santuzza, que ha tenido relaciones con Turiddu y sospecha que la ha traicionado con Lola, está preocupada y se acerca a Lucía; le pregunta por Turiddu, pero ésta le responde que él ha ido a Francoforte a comprar vino. Santuzza le dice que lo han visto entrada la noche por el pueblo. Lucia le pide que entre para hablar, pero justo en aquel momento Alfio se presenta con su carro, acompañado por los campesinos. Él alaba las alegrías de la vida del carretero y la belleza de su esposa. Le pide a Mamma Lucía algo de su mejor vino añejo. Ella le dice que se ha quedado sin él y que Turiddu se ha ido a comprar más. Alfio replica que vio a Turiddu por la mañana cerca de su casa. Lucia empieza a expresar su sorpresa, pero Santuzza la detiene.

Alfio se une a los demás en la iglesia. En la procesión de  Pascua de Resurrección , todo el pueblo entona un himno de Pascua ''(Regina Coeli Laetare)'' en el cual Santuzza y el coro entremezclan sus voces con sus plegarias.

Todos entran en la iglesia. Sólo quedan fuera Mamma Lucia y Santuzza. Mamma Lucía le pregunta a Santuzza por qué la ha hecho callar cuando Alfio dijo que había visto a Turiddu aquella mañana. Santuzza revela su sufrimiento (''Voi lo sapete, o mamma'' - "Ahora lo sabrás", una de las piezas para solistas más destacadas): antes de que Turiddu se hiciera soldado, él le había jurado a Lola fidelidad eterna y cuando volvió, Lola se había casado con Alfio. Turiddu trató de apagar la llama de su corazón con un nuevo amor (Santuzza), pero parece que nunca se ha apagado la llama de su amor por Lola. Lola, celosa, se ha dedicado desde entonces a seducir a Turiddu (''me l'ha rapito''). Lucia se apena por Santuzza, a quien los habitantes del pueblo consideran  excomulgada  debido a que ha sido seducida por Turiddu. Santuzza no puede entrar en la iglesia, pero le ruega a Lucia que entre y que rece por ella.

Mamma Lucía entra a la Iglesia y llega Turiddu a la taberna, según él, viene de Francoforte. Santuzza le dice que quiere hablarle, que por la mañana ella lo vio, y también Alfio. Le dice que ella sabe que estuvo con Lola. Turiddu piensa que lo ha espiado. Entonces empieza un dúo musical donde Santuzza suplica a Turiddu que no la deje (''oh, Turiddu, rimani ancora'').  Entra Lola y canta su  ''Fior di gaiggiolo'', coquetea con Turiddu y se burla de Santuzza; de ahí entra a la Iglesia. Turiddu se vuelve para seguir a Lola, pero Santuzza le ruega que se quede. Turiddu la desdeña, la tira al suelo y se va a la Iglesia. Santuzza termina deseándole una mala Pascua ( Dúo 'No, no Turiddu'').

Entra en escena Alfio, buscando a Lola. Santuzza le cuenta la infidelidad de Lola. Alfio está furioso y jura que se vengará (''Ad essi, non perdono, vendeta avro''). Al quedarse la plaza vacía, suena el ''Intermezzo'', intermedio orquestal, pieza que suele interpretarse en conciertos.

Luego salen los pueblerinos de la iglesia. Turiddu está alegre porque está con Lola y parece que Santuzza se ha ido. Invita a sus amigos a la taberna de su madre, y canta un brindis ''Viva, il vino spumeggiante'' - "¡Viva el vino espumoso!". Entonces llega Alfio; Turiddu le ofrece un vaso de vino y Alfio lo rechaza violentamente, diciendo que se puede convertir en veneno dentro de su pecho. Turiddu le responde "como quieras" y arroja el vino. Las mujeres se llevan a Lola. Alfio reta a Turiddu; siguiendo la costumbre siciliana, los dos hombres se abrazan y Turiddu, como muestra de su aceptación, muerde la oreja de Alfio, haciéndole sangre, lo que significa una lucha a muerte. Alfio se marcha y Turiddu llama a su madre. Le dice que va a salir a airearse y, presintiendo el desenlace, Turiddu pide a su madre que lo bendiga y que, si algo le pasara, cuidase de Santuzza como una hija ( Aria: ''Mamma, quel vino è generoso''.... ''Un bacio, mamma! Un altro bacio! — Addio!'' - "Mama, aquel vino es generoso... Un beso, ¡mamá! ¡Otro beso! - ¡Adiós!".

 Turiddu se marcha apresuradamente. Lucia, llorando, vaga sin dirección afuera de su casa. Santuzza se le acerca y la abraza. Los pueblerinos comienzan a rodearlas. En el huerto, Alfio mata a Turiddu. Se oyen voces a lo lejos, y una mujer grita ''Hanno ammazzato compare Turiddu'' - "Han matado al compadre Turiddu". Santuzza se desmaya y Mamma Lucía se desvanece en los brazos de las mujeres del pueblo.

PAGLIACCI

Lugar: una aldea de Calabria, cerca de Montalto, en la Fiesta de la Asunción.

Tiempo: entre 1865 y 1870.

Prólogo

Durante la obertura, se alza el telón. Desde detrás de un segundo telón, Tonio, vestido como su personaje de la comedia del arte Taddeo, se dirige al público. (Si può?... Si può?... Signore! Signori! ... Un nido di memorie.) Recuerda al público que los actores también tienen sentimientos, y que esta función es sobre seres humanos de verdad.

Acto I

A las tres de la tarde, llega un grupo ambulante de payasos a un pueblo, en la festividad de la Virgen de Agosto, para representar una obra. La compañía, dirigida por Canio, está formada también por su esposa Nedda, el jorobado Tonio, y Beppe. El recibimiento es acogedor para los payasos, que lo agradecen y anuncian al pueblo que esa noche habrá un gran espectáculo al que nadie ha de faltar. Canio describe la representación de la noche: los problemas de Pagliaccio. Dice que la obra empezará a las "ventitre ore" (veintitrés horas). Este es un método agrícola de contar el tiempo, y significa que la obra empezará una hora antes de la puesta de sol. Cuando Nedda baja de la carreta, Tonio le trata de ayudar pero Canio le da un pequeño golpe y la ayuda a bajar él mismo. Los pueblerinos sugieren beber en la taberna. Canio y Beppe aceptan, pero Tonio se queda detrás. Los celos de Canio resurgen cuando algún joven le insinúa, sin mala intención, que Tonio, que había rechazado la invitación para tomar algo junto a sus compañeros, se quedaba para cortejar a Nedda. Canio advierte a todo el mundo que mientras en el escenario puede hacer el papel de esposo tonto que exige la obra, en la vida real no tolerará que otros hombres intenten seducir a su mujer Nedda. Sorprendido, un pueblerino pregunta si Canio realmente sospecha de ella. Él dice que no, y besa dulcemente a su mujer en la frente. Conforme las campanas de la iglesia tocan a vísperas, él y Beppe se marchan a la taberna.

Cuando Nedda, que está engañando a Canio, se queda sola, se pone a pensar y a preocuparse por la actitud celosa mostrada por Canio, pues está enamorada secretamente de otro, pero la canción del pájaro la reconforta. Ese amor es el que le hace cambiar su discurso para volverlo más alegre. Tonio regresa y la confiesa su amor por ella, pero ella se ríe. Enojado, Tonio agarra a Nedda, pero ella coge un látigo y lo echa. Silvio, que es el amante de Nedda, viene de la taberna, donde ha dejado a Canio y Beppe bebiendo. Le pide a Nedda que se fugue con él después de la reprsentación y, aunque ella tiene miedo, acaba aceptando. Tonio, que ha estado escuchando a escondidas, se marcha para informar a Canio de manera que pueda pillar a Silvio y Nedda juntos. Canio y Tonio regresan y, mientras Silvio escapa, Nedda lo llama, "¡Siempre seré tuya!"

Canio persigue a Silvio pero no lo pilla y no ve su cara. Exige que Nedda le diga el nombre de su amante, pero ella lo rechaza. La amenaza con un cuchillo, pero Beppe lo desarma. Beppe insiste en que se preparen para la representación. Tonio le dice a Canio que su amante seguramente se traicionará a si mismo en la obra. Canio se queda a solas para vestirse y maquillarse, y prepararse para reír (Vesti la giubba).

Intermedio

El intermedio sirve para prepararnos para la obra que la compañía de payasos va llevar adelante. En esta Commedia dell'Arte Canio es Pagliaccio, Nedda es Colombina, Tonio es Tadeo y, por último, Beppe es Arlecchino

Acto II

El acto comienza con el coro de aldeanos que se van sentando para ver la obra. Entre ellos está Silvio, que recuerda a Nedda que la esperará al final de la obra. Nedda, vestida como Colombina, recoge el dinero. Ella susurra una advertencia a Silvio, y la multitud grita al empezar la obra.

El marido de Colombina, Pagliaccio se ha ido hasta la mañana, y Taddeo está en el mercado. Ansiosamente espera a su amante Arlequín. Colombina está en una salita paseando mientras la voz de Arlequín implora por su amor, dándole una serenata desde abajo de su ventana. La llegada de Tadeo, bufón enamorado de Colombina, devuelve al primer acto respecto al encuentro de Tonio y Nedda. Tadeo confiesa su amor, pero ella se burla de él. Arlequín sube y alcanza la ventana de la habitación donde está Colombina y Tadeo, expulsando a éste último ante las risas del público.

El pequeño dúo amoroso-jocoso culmina con las mismas palabras que Nedda dijo a Silvio, lo que acelera la furia en Canio. Arlequín y Colombina cenan, y él entrega una poción para dormir. La entrada en escena como Pagliaccio es el fin de la ópera. Colombina le drogará para huir con Arlequín. Entra Tadeo, advirtiendo que Pagliaccio sospecha de su esposa y va a volver pronto. Mientras Arlequín se escapa por la ventana, Colombina le dice "¡Siempre seré tuya!".

Cuando Canio entra, oye a Nedda y exclama "¡En el nombre de Dios! ¡Aquellas mismas palabras!" Intenta continuar con la obra, pero pierde el control, mostrando una actitud despiadada ante Nedda, exigiéndole que revele el nombre de su amante. Nedda trata de seguir con su papel de Colombina y continuar con la comedia, llamando a Canio por el nombre de su personaje, "Pagliaccio" para recordarle la presencia del público. Pero el intento es infructuoso puesto que Canio ya está lleno de ira. Él contesta con su arietta: No! Pagliaccio non son! ("¡No! ¡No soy Pagliaccio!") y afirma que si su cara es pálida, no se debe al maquillaje sino a la vergüenza que ella le ha traído. El público, impresionado por esta interpretación emocional y muy real, lo vitorean. Nedda, intentando de nuevo seguir con la obra, admite queella ha sido visitada por el muy inocente Arlequín. Canio, furioso y olvidando la obra, exige saber el nombre de su amante. Nedda jura que ella nunca se lo dirá, y el público finalmente se da cuenta de que no están interpretando.

Silvio, ha sido el único entre el público que pensaba que la escena no era de ficción y empieza a preocuparse por Nedda quien, a pesar de confesar su romance, se niega a revelar el nombre de su amante y trata de huir al ser amenazada por Canio. Intenta abrirse paso hacia el escenario. Canio, cogiendo un cuchillo de la mesa, apuñala a Nedda. Al morir, ella grita: "¡Ayuda, Silvio!". Canio entonces apuñala también a Silvio y con un terrible e irónico La commedia è finita (La comedia se acabó), concluye la ópera mientras el telón baja ocultando los cuerpos inertes de los dos amantes. En su origen, Tonio tenía esta línea final, La commedia è finita! pero se ha dado tradicionalmente a Canio. El propio Leoncavallo aprobó esta sustitución.